La catégorie du « clair-obscur »  dérive du terme technique décrivant le modelé et la mise en évidence des valeurs sur les volumes représentés. Le paradigme est le modèle de la grappe de raisin par Lebrun, peintre et académicien classique.
par la suite le terme décrit les scènes nocturnes, les fonds sombres et les lumières rares.
Nous allons ici feuilleter diverses pratiques de l’ombre et de la lumière qui expriment des sens opposés, particulièrement Caravage, De La Tour et Rembrandt

Pour dégager de grandes lignes, nous pouvons avancer l’idée que chez Caravage, l’obscurité est néant, obscurité et obscurantisme. La lumière violente extrait le corps par une révélation, un choc ; les corps rencontrent à la fois le sol réel et l’esprit divin, par une expérience physique et instantanée.

Les décapitations et armes blanches sont récurrentes. Soit l’élu est précipité dans la souffrance initiatique ( Isaac-Pierre-Paul-Matthieu-Jésus lui-même) mais est sauvé par une lumière soudaine ; soit l’élu va jusqu’au bout de la détermination à éradiquer le mal et le plonger dans les ténèbres ( Goliath-Holopherne).

Chez Rembrandt, l’obscurité est un inconnu ; un espace réel non défini que l’expérience associée à la lumière et à l’action permettent d’explorer sans limites, car il n’y a pas de bornes.

Chez De la Tour, la pénombre est l’infini, l’incommensurable du divin. Les lumières fragiles ne sont là que pour patienter dans l’attente de la connaissance, par la mort, les songes, les visions. ce qui est diurne est trompeur ou faux : tricheurs, menteurs, bagarreurs….traîtres, joueurs.

Il s’agit par contre et de manière commune à ces trois artistes, de se dégager du paradigme de la perspective scientifique et de la mesure de l’espace. L’espace est alors défini par le modelé des corps.

début de la galerie : (une mise à jour progressive sera effectuée régulièrement.)

Chez Caravage, clairement le miroir est associé à l’erreur, apparence. Ici le débat entre Marthe et Marie Magdeleine, entre l’apparence et la spiritualité pour recevoir leur messie.  Ici la lumière est d’origine douteuse ; ce n’est pas tant l’image qui est fausse que la lumière qui émane de ce miroir.

Nous allons maintenant présenter quelques Georges De La Tour ; dont les jeux de clair-obscur ont une valeur radicalement différente, voire opposée à celle du Caravage.

Rembrandt use de tons beaucoup moins contrastés ; il joue plutôt sur une gamme de bruns-ocres pour construire la lumière et l’espace. Les ombres propres sont plus progressives et les fonds moins sombres que ceux de Caravage et De La Tour. Il semble en effet que pour Rembrandt, la lumière qui émane positivement d’actes de connaissance, ait pour fonction de se promener et de lever les voiles de ténèbres. Il ne s’agit plus là d’un néant, ni d’un infini, mais plutôt d’un inconnu.

Portrait de la mère de Rembrandt en prophétesse. La main, en pleine lumière effleure le texte. Découverte progressive des signes et du sens, de même que la lumière dévoile progressivement l’espace.

Une prolongation de cette galerie est disponible en suivant le lien ci-contre : Rembrandt, la main, le regard…

Divers artistes sont asismilés au « caravagisme » et utilisent un clair obscur intéressant. Il n’y a cependant pas toujours la même cohérence et certains sont dans une peinture de genre, sans valeur subtile de l’ombre et de la lumière.

La lumière fragile des chandelles et torches, éclaire même la part purgée du corps. Trophime Bigot, nous montre là, un docteur examinant l’urine..thème cher à Molière – contemporain – mais éloigné de la mystique d’un De La Tour et de la passion d’un Caravage ou de l’enquête anatomique de Rembrandt.

Judith et Holopherne est un sujet de prédilection en cette période trouble. Bigot, joue sur la dramatisation, mais le flambeau relativise la violence de la scène. les jeux d’ombres sont remarquables de virtuosité. La portée poétique moindre.

Le reniement de St Pierre par Honthorst. Thème typique aux peintres du clair-obscur : la trahison. La scène nocturne est justifiée par l’iconographie et les évangiles. Une certaine lenteur ; les flambeaux n’ont pas la même fragilité et pureté que chez De La Tour. Les visages manquent de puissance.

Ribera: Sébastien soigné par Irène. Autre thème fameux chez les artistes du Clat-Obscur. Belle composition et travail sur la présence physique du corps au premier plan, mais peu de réelle profondeur ; les modelés sont courts et l’espace suggéré confus. Il n’y a pas de dialectique entre l’ombre et la lumière ; le visage de Sébastien est passif..

Ribera : Apolllon écorchant Marsyas. cette scène magistralement réalisée par Titien est ici superbement reprise par Ribera, la détermination froide du prince et dieu des arts, révèle la violence des débats esthétiques autour du corps, de l’esprit. les pleurs des satyres et paysans, mêlés au sang de Marsyas le flutiste, donneront les fleuves féconds du Tigre et de L’Euphrate. Ici Ribera sculpte réellement l’espace ; creuse sa toile et joue sur les plans, les proches, les lointains, le haut, le bas et même sur la couleur nacrée du voile d’Apollon. Couleurs rares chez les peintres du Clair-Obscur.

Ribera, Apollon écorchant Marsyas. Version dramatisée par les contrastes plus forts, par la symétrie des corps opposés, par les attitudes des satyres à droite, par une peinture plus brute. Cette 2e version montre en tout état de cause, l’importance d’un tel sujet, en ces périodes de doute.