Ci dessous, une galerie d’enluminures explicites quand à la réalité des pratiques artistiques effectuées par des femmes avant la Renaissance. De l’écriture jusqu’à la sculpture.

Certaines documents manuscrits montrent aussi le rôle intellectuel et artistique, de  Christine de Pisan, Marie de France ..et plus de discret, comme les oeuvres de la moniale ibérique, Ende, qui travailla au Beatus  de Gerona ( 9e siècle).

Ci dessous, Ende ( de Gerona) ,Uta de Ratisbonne,Teresa Diec ( Catalogne), Hildegarde de Bingen,  Herade de Lansberg,   Christine de Pisan et Lenoir ( enlumineuse)

 

Projet de texte, reprenant la plupart des contenus développés à l’ Université Paris-Saclay en 2014 :

Plusieurs articles peuvent être consultés en complément de celui-ci.Mésolithique et cultes féminins. Le site de Catal Huyuk. et Artemis d’ Éphèse, gorgones, amazones.., ainsi que Evolutions et réductions de mythes féminins.

De même, en plus des articles consacrés à des femmes artistes, celui sur Marianne North.Marianne North, artiste botaniste et encore :Femmes du BAUHAUS  

Sofonisba ANGUISSOLA, autoportraits

Niki de St PHALLE, tirs.

Femmes artistes néo-classiques, une brève ouverture.

Helen FRANKENTHALER et l’abstraction lyrique

Artemisia GENTILESCHI

Elsa Von FREYTAG LORINGHOVEN.

Alexandra EXTER, futurisme et constructivisme russe

Hannah HOCH, dadaïste

Camille CLAUDEL, les causeuses.

Berthe MORISOT, sur la véranda.

Louise BOURGEOIS, runaway-girl

comme ceux proposés en liens dans les pages suivantes.

 

Avant ceci, un court texte polémique adressé à Ph. Sollers, auteur d’une chronique dans le magasine Nouvel Observateur :

L’histoire contemporaine accepte de retenir, après des années de purgatoire historique, certaines figures plus ou moins romantiques, de femmes ayant réussi à braver l’oubli : Gentilleschi ( Artemisia) Claudel ( Camille), leurs tragédies pimente leurs œuvres, que l’on effleure de façon condescendante trop souvent, mais  les autres sont systématiquement effacées de l’histoire, des manuels et des musées, particulièrement en France. Par exemple, au Musée de Nice, remarquable par ailleurs, il n’est fait aucune mention de Jeanne-Claude, l’artiste qui a œuvré, avec Christo Javacheff, et ce depuis le début de leurs empaquetages monumentaux dans les années 70.  Nombre de textes, articles et vidéos le prouvent.

Mais un exemple frappant de cette ardoise magique, effaçant les mémoires, c’est l’article, la chronique du jeudi 27 février 2014, article de Philippe Sollers, relatant un livre de Marc Dachy sur le dadaïsme, qui réussit la prouesse de ne citer AUCUNE femme de ce courant artistique.

Pourtant, cette histoire récente est assez documentée, et il n’est pas besoin d’être grand savant pour connaître Sophie Tauber, Hannah Höch, puis Suzanne Duchamp, Hemmy Ennings, Elsa Von Freytag, l’américaine oubliée, Marianne Brandt, Lily Reich, Lavinia Schultz….. eurent des influences décisives dans le mouvement dada, en France , en Suisse, en Allemagne..on peut aussi citer les constructivistes et artistes russes Sonia Delaunay, Alexandra Exter, Olga Rozanova, Liubov Popova, Barbara Stepanova, Natalia Gontcharova……très proches du dadaïsme elles aussi ainsi que la grande photographe Claude Cahun ( Lucy Schwob) qui dans sa pratique est , elle aussi furieusement avant gardiste. 

Il  se trouve que la plupart d’entre elles, furent actives avec leurs amis et compagnons, au même titre que ces artistes masculins, qui souvent ne reléguèrent pas ces femmes ; c’est l’histoire dominante qui les efface régulièrement de la mémoire, ne retenant que les artistes masculins, en l’occurence, ici, Arp, Hausman, Crotti, Delaunay, Schlemmer, Van der Rohe, Rodcenko, Ball et donc plus récemment encore Christo etc….

Il est affligeant de voir, 100 ans plus tard, se perpétuer l’enfouissement de ces artistes qui eurent non seulement la modernité, mais l’audace et le courage de s’affirmer dans un monde hostile.

Cet effacement est d’autant plus honteux, que justement, le dadaïsme a souvent fait de l’ univers féminin de l’époque, une alternative positive aux sociétés patriarcales obscurantistes et répressives qui avaient mené à la guerre et aux oppressions de toutes sortes ; ces artistes ne sont pas des suiveuses de leurs compagnons et ont exploré des domaines spécifiques, autour des sculptures/pantins, des chorégraphies, du collage, des performances et même des ready mades ( Elsa Von Freytag, dès 1915)il est d’autant plus honteux de les oublier, que c’est souvent la réaction nazie, pétainiste et stalinienne, qui a refermé la boîte de l’avant garde, en détruisant, enfermant et reléguant les artistes avant gardistes ; le Kinder-Kirshe-Küche de Hitler comme le Travail-Famille-Patrie de Pétain et les stéréotypes de la mère et de l’ouvrière du réalisme soviétique, ont détruit les vies de ces artistes et particulièrement de ces femmes. Comment est-il possible d’écrire un article , qui étant publié, remet donc une couche d’oubli et d’effacement, se rendant complice des pires médiocres du 20ème siècle.

Que Philippe Sollers écrive, mais ne se croie pas autorisé à écrire sur tout, à tout moment du seul fait d’avoir un espace hebdomadaire dédié…Ceci devrait être une injonction morale, une responsabilité, un devoir. Le narcissisme de pouvoir impunément signer une double page, si il est légitime et gratifiant, ne devrait pas permettre de telles négligences….surtout quand on a, comme lui, un tel palmarès de reconnaissance, incontestables, parfois.

 

Je propose ici une galerie commentée ; non exhaustive bien sûr :

Au regard des documents ci-dessous, il est évident qu’il n’existe pas d’art féminin, ni de spécificité picturale du travail des femmes artistes ; les œuvres sont en phase avec les moyens d’expressions des époques. Il serait téméraire d’imaginer un ordre ou des influences ; ces femmes participaient tout simplement de leur époque.

 

 

Pour des raisons sociétales diverses, les académies et ateliers leurs étaient la plupart du temps fermés ; jusqu’au 19e siècle en France par exemple.

Les formations se sont faites la plupart du temps auprès de leurs proches déjà artistes, et souvent de leurs pères, pères artistes bienveillants et éducateurs de leurs filles, bravant les stéréotypes ; parmi les plus connus, Robusti ( Tintoret)

et Gentilleschi.

La question de la formation est première et pouvait être effectuée pendant la jeunesse de ces artistes,  mais de nombreux obstacles s’érigent :

–le statut social et économique...Possibilité ou non d’être enregistrée comme artiste. Droit ou pas d’avoir des revenus ( rappelons qu’il faut attendre 1965, en France pour qu’une femme puisse ouvrir un compte en banque sans l’autorisation de son mari!!). Poids crucial des traditions religieuses minorant les femmes dans l’espace public.

-la formation. Les ateliers ne sont pas ouverts aux femmes ; il leur est interdit particulièrement de pratiquer les études de nus . Il faut attendre la révolution française, mais ce sera pendant une brève période..La plupart du temps, les femmes artistes apprennent dans des cours privés ou avec leurs proches.

–la commande d’œuvres. Une grande proportion des commandes étant religieuse, pendant des siècles, on imagine encore aisément la réticence des prêtres, mysogines patentés, à commander des œuvres religieuses, à de jeunes femmes artistes. Les commandes princières sont plus fréquentes. Mais ces contraintes réduisent de fait l’ambition des artistes femmes, qui se voient presque empêchées de réaliser de grands formats ; on peut rappeler que le format est fonction de l’ampleur du sujet, et ce jusqu’au 19e siècle ( hiérarchie des genres). les portraits, les scènes de genre, les natures mortes, seront longtemps les sujets de formats petits et relégués au bas de l’échelle des valeurs en peinture ; ce sont précisément les genres laissés aux artistes femmes.

La période révolutionnaire change la donne, les ateliers s’ouvrent aux femmes et la vague néo classique, inaugurée par David est également portée par de très nombreuses femmes artistes, et ce dans toute l’Europe.

 

 

 

 

–les collections : du fait de cette hiérarchie, les œuvres d’artistes femmes, ne sont pas visibles dans les lieux publics : églises, palais, théâtres….Elles sont dispersées dans des lieux privés et assimilées à de la décoration. Il est donc plus difficile de faire concrètement le recensement de ces œuvres. alors qu’il suffit de parcourir Venise et ses églises pour accéder immédiatement au corpus des Bellini, Carpaccio,  Titien, Tintoret etc.

– le quotidien,  mariages, procréation freinent et bloquent souvent la disponibilité de ces artistes ; quand le compagnon ou le mari est artiste, c’est toujours la femme qui arrête sa production…..ceci jusqu’à des temps très récents.

-la culture dominante ; les stéréotypes sur les rôles sexués et les genres sont tenaces. Jusque dans les années 80, on pouvait entendre des discours dominants, dans toutes les écoles d’art, sur la spécificité masculine du « génie », les femmes étant privées de cette dimension, du fait de leur destination naturelle à la création par l’enfantement. les hommes tenant leur puissance créative de leur frustration . La relégation religieuse, politique, économique et sociale de toutes les femmes, ne permettait pas de voir émerger des figures audacieuses, brisant un ordre séculaire.

Une fois bravés tous ces obstacles gigantesques, il reste à affronter les mémoires et la postérité….Chose hors de portée bien évidemment.

Contenus..

De façon étonnante et manifeste, on peut remarquer de certaines artistes ont réussi à s’imposer, malgré toutes ces embûches, dans leur milieu et jusqu’au plus haut sommet, comme par exemple S. Anguissola, qui fait un portrait officiel de Charles II d’Espagne au 16e siècle

ou Adélaïde Labille-Guiard qui fait celui de  Robespierre.

 

Il faut tout de même rappeler que Camille Claudel, fut exposée au salon, de son vivant et reconnue et admirée.

Ces faits révèlent de façon encore plus flagrante, le révisionnisme permanent, qui efface systématiquement toutes les traces de ces artistes.

De ce fait, il n’est pas étonnant de voir certains sujets, devenir récurrents comme par exemple les autoportraits, qui dès les temps médiévaux, sont presque une spécificité féminine. La raison en est simple en fait ; c’est une façon performative de s’imposer incontestablement comme peintre.

Dans de nombreuses œuvres, des artistes mettent en évidence une page blanche, une œuvre vide, comme si  elles étaient interdites de sujets.

 

 

 

L’autoportrait constitue aussi peut-être une marque particulière de l’intimité et du seul espace incontestable et autorisé, dans lequel ces artistes seront en mesure d’explorer et de déployer leur art.  Pas de clients, pas de commandes, pas de censures, pas de publicités ni de fortune( au sens de renommée mais aussi de revenus!!).

L’autoportrait sera ensuite une manière évidente d’interroger le regard et les apparences ; la plupart des sociétés imposent une violence significative contre les femmes et leur apparence. Le 21ème siècle n’échappe pas à la règle et de la Burka aux Barbie, c’est une normalisation imposée dès le plus jeune âge. On comprend aisément que beaucoup de femmes artistes se débattent avec la question de l’apparence et donc de l’autoportrait.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Eva Gonzales, l’une des pionnières de l’impressionnisme.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

le portrait, De l’autoportrait au portrait il n’y a qu’un pas et c’est le genre de sujet fréquent, car reposant sur la connaissance, la confiance ( amis, proches, conjoints, enfants) et ne bousculant pas les statuts. les portraits, hormis les portraits officiels, constituent donc encore un genre proportionnellement  important.

Les natures mortes et les scènes de genre, apparaissant au 17e siècle, avec une clientèle bourgeoise, variée écartée des pouvoirs religieux sont encore du registre de l’intime, de l’objet, de l’intérieur, du boudoir, du salon, de la cuisine….les artistes hommes ayant traité abondamment les scènes de genres et les natures mortes, sont aussi ceux qui ont traités de manière subtile des univers féminins, tel Vermeer et Chardin par exemple. Il est logique que les artistes femmes se soient retrouvées dans ces registres qui leur étaient connus.

certaines scènes mythologiques et bibliques, sont reprises de manière intéressantes, par des artsites femmes qui en profitent pour régler leur compte à des comportements masculins odieux et lle nombre de « Judith et Holopherne » de  » Salomé » est notable ; de même, les figures de Madeleine, les scènes avec Marthe et Marie seront l’occasion d’aborder la question de la séduction et des sentiments et de l’abandon.

 

 

 

On trouve aussi les thèmes d’Arachné et ce jusque chez Louise Bourgeois..

Nature, instant, intimité...l’univers, souvent confiné et contraint des intérieurs, de la maison, du jardin, de l’enfance est un univers traditionnellement associé aux femmes. Dans un monde galopant vers le bruit et la fureur de la modernisation industrielle et capitaliste, patronné par un patriarcat austère, cet univers et cet espace plutôt féminin, devient un recours. On voit ainsi, les artistes impressionnistes se tourner vers ces sujets et redécouvrir des univers féminins variés, loin des stéréotypes académiques. Gauguin, Degas, Toulouse-Lautrec, et avant, Courbet et Manet orientent leurs regards vers de nouveaux lieux et des corps plus vrais. Il n’est pas étonnant que ce soit dans ce courant artistique que de nombreuses femmes artistes trouvent enfin un écho à leur puissance artistique.

 

 

 

Etrange peinture ( 1811) de Marie Quivoron-Bracquemond, pionnière de l’impressionnisme, avec une mise en abyme…Univers clos mais amplifié et démultiplié par les reflets.

 

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2 oeuvres de Mary Cassatt, fin 19e. L’instant saisi est traduit de façon virtuose par une touche fractionnée.

 

 

 

 

 

Le sujet du linge blanc en extérieur est étonnamment largement abordé. Surface pure, métaphore de la toile, division de la lumière..La question du blanc, abordée aussi par Manet, Monet, Sorolla aussi, est un enjeu essentiel pour varier la couleur pure ; question cruciale de l’impressionnisme.

 

textiles, costumes…décoration, mobilier domaines traditionnellement associés à l’intime et au féminin. Depuis la Restauration royaliste et bourbonienne, depuis l’instauration d’un régime patriarcal caricatural autour de Louis Philippe puis Napoléon III, le vêtement masculin est devenu noir, austère, rigide et standardisé. Les mâles dominants s’occupent des affaires importantes ( !!) de l’économie, du colonialisme, des sciences, de l’industrialisation, de la domination ( voir dans Lucien Leuwen, de Stendhal, les considérations policières manifestes des gouvernants) et délèguent sans problème, ce qui est de l’ordre du corps, de l’intime, de la sensualité, de la maison, de la décoration, aux femmes…Il s’ensuit assez logiquement que certaines femmes artistes investissent progressivement ces domaines, ces champs laissés en friche, pour inventer autour de ces réalités et matériaux. Le courant dadaïste, ainsi que la plupart des avant-gardes du début du 20e siècle ( constructivistes, Bauhaus) voient de nombreuses femmes investir de manière libre et inventive ces secteurs de la création. C’est en quelque sorte l’émergence des arts appliqués et le décloisonnement entre les catégories traditionnelles. Marianne Brandt, Lavinia Shultz, Sonia Delaunay, Lioubov Popova, Varvara Stepanova, Alexandra Exter, Olga Rozanova, Charlotte Perriand bien sûr, et on en redécouvre presque toutes les semaines.

Biographie/corps/organique

Une des manières incontestables de s’imposer, a pu être de parler de soi. Parmi les femmes pionnières en ce genre, Louise Bourgeois et Niki de Saint Phalle ont été remarquables. Imposant leur univers, loins des fantasmes ou des visions sur une identité féminine, elles ont produit des oeuvres variées, autour de leur biographie. Les inventions formelles manifestes ( comme les tirs de N.De S. Phalle) étaient d’autant plus incontestables qu’elles produisaient un sens cohérent avec la violence libératrice dont l’artiste se réclamait. Chez Louise Bourgeois, le thème du tissage, de l’araignée, est également cohérent avec sa biographie et les métiers de sa famille, auxquels elles était destinée. De même, le vécu Yougoslave-Balkanique de Marina Abramovic,la mène à oser des mises en danger de son corps, qui de manière sacrificielle exprime les déchirements de la société dont elle est issue.

AU delà de la biographie, de nombreuses femmes artistes, explorent la question du corps,du sang, de l’apparence, des stéréotypes, de la souffrance, avec recul et radicalité ; venant d’un point de vue minoré, plutôt dominé ( de par les traditions patriarcales), ces approches de corps et de la violence, ne sont pas suspectes d’exprimer le point de vue des bourreaux ou des dominants , ni d’être des postures voyeuristes.

La mise en danger réelle des corps, de Gina Pane, Marina A, Orlan ne relève pas du spectacle. Il y a une dimension incontestablement sacrée et ritualisée, autour de cérémonies. L’intimité avec le corps, la chair, la souffrance physique et les transformations du corps, se retrouve aussi sur les expériences autobiographiques de Hannah Wilke, qui travaille sur une introspection sans concession, jusqu’à son traitement anticancéreux et sa fin prévue.

Sophie Calle, travaille avec constance sur la biographie, les frontières entre les sphères privées et publiques comme sur le voyeurisme ou plus justement le regard de l’autre, des autres. Interroger la façon dont on est vu ou vue ; dont on voit…Quelle part préserver. Réintroduire la narration dans les oeuvres « plastiques ».

Voir autrement, sans exhibitionisme, ni voyeurisme, est peut être ce qui caractérise, les photographies de Diane ARbus, qui peut montrer des personnages fragiles et décalés, avec compassion, complicité et empathie, sans tomber dans la vulgarité et le monstrueux ; cette intimité entre l’artiste et ses modèles se retrouve dns l’oeuvre photographique de Nan Goldin, qui peuvre en équilibriste au milieu de ses proches marginaux et abîmés, comme elle.

Les questionnements sur le corps social, les stéréotypes se retrouvent également dan sles photographies et les mises en scènes de Cindy Sherman, qui explore tous les fantasmes autour des rôles féminins, présentant une sorte de catalogue de clichés, jusqu’au débordement vers les univers monstrueux de sorcières et de harpies.

Le dialogue avec la folie, avait été abordé par les sculptures de Louise Bourgeois autour du thème de l’arc hystérique, on le retrouve dans les pratiques répétitives, Nikki de Saint Phalle est passée par la case H.P, ainsi que cette artiste mêlant également vie privée, intimité et création artistique, Yayoi Kusama, qui de manière continue et obstinée, depuis sa jeunesse jusqu’à aujourd’hui, développe au risque de sa sociabilité, une obsession pathologique pour la dispersion et les points. Travaillant sur la mise en jeu de son corps, dispersé et submergé, prolongé par des textures, des volumes souples unifiés par des points et des signes.

Les vidéos exceptionnelles de Pipilotti Rist, sont d’une force et d’une clarté remarquable quant aux stéréotypes, à l’apparence et à la difficulté s’habiter un corps attendu en permanence au tournant de la norme. Pipilotti Rist, montre une intelligence critique extraordinaire sur ce que sont les images videos, l’écran, la boîte noire ( camera obscura), l’enfermement, l’exhibition, la dimension spéculaire ( miroir) des autofilmages ( tendance exponentielle aux selfys!!), les distorsions et brouillages des images et filmes numériques aux qualités médiocres etc..La mise en scène de sa personne n’est pas éloignée de figures de folie et d’enfermement là encore.

Espaces sensibles

A la façon de Kusama, une tendance, non spécifiquement féminine, mais notablement explorée par des artistes femmes est de varier autour de cette façon de rendre sensible l’espace tridimensionnel et de travailler à la fragilité des matériaux. Annette Messager, avec ses chimères, ses oiseaux morts, ses photos suspendues, ses sculptures molles de vêtements est une des pionnières de ce type d’installations. Puis Lisa Lou, Joanna Vasconcelos par exemple Sarah Sze, entre autres continuent la mise en scène de lieux rendus fragiles . Cette pratique artistique n’est plus une spécificité féminine, Giuseppe Penone, Agostino Neto par exemple ou Anish Kapoor, ont aussi à leur manière exploré l’intérêt de ce champ de création.

Messages

Il y  2 artistes notables dans ce domaine, qui font du langage et de la prise de parole publique une activité artistique et spécifiquement féministe, comme Barbara Kruger et Jenny Holzer. Le langage, la parole publique sont réinvestis de façon monumentale, détournant qui les titres tapageurs des presses à scandales, sexistes et conservateurs, qui les panneaux et signalétiques lumineuses, pour en faire des supports, à la fois visuels et soignés, par les couleurs, les dispositions spatiales, de messages aux contenus philosophiques et politiques. Raviver la parole, investir l’espace réel.

Conclusion

Depuis les années 70, de nombreuses femmes artistes se sont réapproprié des territoires. Pour imposer des oeuvres incontestables dans un premier temps, puis développant des thématiques propres, pour explorer comme tout autre artiste des univers contemporains. On peut enfin dire à présent, qu’il n’y a quasiment plus de spécificité « genrée » dans les arts plastiques. En rétablissant la question du sujet, des contenus et de la sensibilité, certaines artistes femmes ont réouvert un domaine d’expression qui tendait à la sclérose formaliste et au discours .

Des expositions comme « Elles » au centre Pompidou, la création d’un musée des artistes femmes à Washington ainsi que la création de nombreux sites autour de femmes artistes permet de reconstruire l’histoire et de réhabiliter des artistes oubliées. Il y a eu également à Florence voici quelques mois, une exposition sur les femmes et les autoportraits.